El creador del teatro moderno. Konstantin Sergeevich Stanislavsky
“Vivir es actuar. "Cada día en el que no hayas repuesto tu educación, considéralo muerto e irrevocable para ti".
K.S. Stanislavsky
K.S. Stanislavsky
Konstantin Sergeevich nació 5 (17) en enero 1863, en la ciudad de Moscú, en la familia de Sergey Vladimirovich Alekseev, uno de los industriales más destacados del Imperio ruso. El padre del futuro actor se dedicaba a tejer, y también tenía su propia fábrica de oro, que producía bordados raros de oro para uniformes militares y civiles. Además, fue conocido por sus actividades caritativas. Su esposa, Elizaveta Vasilyevna, era hija de la actriz Marie Varley y Vasily Yakovlev, propietaria de las canteras finlandesas, donde se extraía granito para el pilar alejandrino y la catedral de San Isaac. Numerosos niños de los Alekseev (había diez en total, pero un niño murió en la infancia) tenían una gran cantidad de tutores y habían estado estudiando en casa durante mucho tiempo. Solo después de que apareciera en 1874 el decreto sobre el servicio militar de bienes inmuebles, Sergey Vladimirovich, para evitar el futuro llamado de niños al servicio militar como privados, los entregó al gimnasio. Al mismo tiempo, resultó que la capacitación en el hogar se llevó a cabo bastante mal, como resultado de lo cual el futuro director tuvo que comenzar a estudiar no en el tercero (según la edad), sino en el primer grado.
El adolescente estudiaba de manera mediocre, la razón por la cual no era su pereza, sino más bien una educación estúpida: en el gimnasio enseñaban muchos profesores extranjeros, con una lengua repugnante que hablaba ruso, pero al mismo tiempo exigían que los niños tuvieran un conocimiento perfecto del latín, griego, francés y alemán. En 1878, los hermanos fueron trasladados al Instituto de Lenguas Extranjeras Lazarev. Estudiar allí se puso un poco mejor, pero esto no afectó las evaluaciones de Constantino. En 1881 se fue allí. La razón fue la falta de asiduidad y paciencia en un joven, sin la cual, como sabemos, es imposible tener éxito en el aprendizaje de idiomas. Además, el activo y enérgico Alekseev no pudo soportar el abarrotamiento, que, por cierto, afectó más tarde. Habiéndose convertido en actor, memorizó los textos bastante mal y a menudo se confundió con ellos.
Prácticamente a todos los niños de la familia Alekseev les gustaba mucho el teatro, que en los siglos pasados, con la ausencia de Internet, televisión y radio, jugó un papel muy importante en la vida de los ricos. A menudo, en la propia casa de Alekseev, se celebraban actuaciones de aficionados. Al hacerse mayor, Constantino comenzó a organizar sus propias actuaciones en casa. En los juegos fue atendido no solo por hermanos y hermanas, sino también por algunos amigos. Todo fue hecho de verdad, incluso los boletos de entrada fueron dibujados. E incluso más tarde, Kostya abrió su propio teatro de títeres, ofreciendo actuaciones a sus familiares, así como a los sirvientes de su padre.
En 1877, la familia de Alekseev estaba seriamente fascinada por el teatro de aficionados, y Sergei Vladimirovich abrió su propia sala de teatro en la finca cerca de Lyubimovka, donde comenzó a organizar actuaciones de aficionados. El género teatral más popular en ese momento era el vodevil. La acción, por regla general, tuvo lugar en un pasado lejano, los héroes usaron espadas, se lucieron con botas altas y actuaron contra el fondo pintado sobre el fondo de los castillos medievales. Piezas de este tipo rápidamente se volvieron aburridas, en relación con las cuales los teatros tenían que actualizar su repertorio casi semanalmente. Preparar un nuevo trabajo en tan poco tiempo no fue fácil: los actores apenas tuvieron tiempo de aprender el texto, y nadie habló sobre el trabajo serio sobre el papel. Sellos de actores bien desarrollados rescatados: gestos y posturas espectaculares, articulación clara y mejorada, habilidades de una explosión repentina, la transición de gritar a un susurro, o viceversa. Técnicas de este tipo funcionaron sin problemas, pero para los actores novatos fue muy difícil estudiarlas. Sin embargo, Kostya estaba dispuesta a hacer cualquier cosa para subir al escenario del teatro de su padre. La presentación debut del círculo Alekseevsky fue 5 September 1877. Los artistas aficionados prepararon dos vodevil, y Konstantin Sergeevich participó en ambas actuaciones.
Después de que Alekseev cumplió veinte años, su padre comenzó a enseñarle su oficio. El joven pasó mucho tiempo en la oficina de su padre, aprendiendo los conceptos básicos de la gestión de la producción a gran escala. Sin embargo, los principales intereses del joven estaban en el campo del arte, y Sergei Vladimirovich, al ver esto, en enero, 1886 ayudó a su hijo a convertirse en uno de los directores del Conservatorio de Moscú, junto con celebridades como Sergey Taneyev y Pyotr Tchaikovsky. En ese momento, Konstantin Sergeevich había recorrido un considerable camino creativo, que consistía en una búsqueda diversa, pero no demasiado exitosa, de sí mismo. Al principio, el círculo de Alekseevsky que existía en Lyubimovka era suficiente para él, pero a lo largo de los años, las hermanas y el hermano mayor se habían casado y habían terminado con el teatro. La operetta Mikado de Arthur Sullivan, presentada en abril por 1887, fue su última producción. Konstantin Sergeevich, abrumado por el tormento creativo, trató de actuar lo más posible, creyendo que ganar experiencia le daría la oportunidad de dominar las habilidades de actuación. En octubre, 1885 Alekseev ingresó a la Escuela de Teatro de Moscú, pero al estar entre la juventud verde, dejó las clases tres semanas después. Durante algún tiempo tomó clases de canto del famoso tenor Fyodor Komissarzhevsky, pero pronto se convenció de que el cantante de pie no lo abandonaría. Gracias a su relación con la famosa actriz Glykeria Fedotova, el joven participó en varias producciones junto con los actores del Teatro Maly. Además, Konstantin Sergeevich a menudo "descendía" antes de las actuaciones en operetas de contenido dudoso. Tratando de ocultarlo de sus familiares, en la primavera de 1884 adoptó el seudónimo "Stanislavsky". Así es como se llamaba al actor principal en el teatro amateur ubicado en Srednaya Kislovka. Después de la salida de este último del teatro, Alekseev asumió su papel y también "heredó" un seudónimo. Sin embargo, esto no salvó al nuevo Stanislavsky; muy pronto, para su consternación, descubrió a sus padres en el auditorio ...
Es fácil adivinar que al rico, hermoso, joven fabricante y actor Konstantin Alekseev le gustaban las mujeres. Sin embargo, hubo sus "peros" que lo obligaron a llevar una vida decente. En primer lugar, los padres del joven tenían una moral muy estricta, y en segundo lugar, Stanislavsky tenía su propio pecado: 16 June 1883, el hijo de la familia, Avdotya Kopylova, tenía un hijo, Vladimir. Hijo formalmente ilegítimo Constantino adoptó a Alekseev Sr. Años más tarde, se convirtió en un famoso profesor de la Universidad Estatal de Moscú y en un destacado erudito soviético. Su esposa, Maria Petrovna Perevoshchikova, conoció a Stanislavsky en 1888, convirtiéndose en su compañera en la obra de Schiller "Insidiousness and Love". El estreno tuvo lugar en abril 1889, y a principios de julio se casaron. Su unión duró hasta la muerte del actor. Dieron a luz a las niñas Ksenia (que murieron en la infancia) y Kira, así como a su hijo Igor.
En 1885, el director Alexander Fedotov llegó a la capital, quien se sintió inflamado por el deseo de organizar la obra Ruble con la participación de artistas aficionados. Invitado y Konstantin Sergeevich. La experiencia resultó ser exitosa, como resultado de la cual surgió una idea sobre la base de una compañía de aficionados para establecer la "Sociedad de literatura y artes". Stanislavsky, quien recibió muy bien el capital de su padre, dio dinero y, a principios de noviembre, se inauguró 1888. Para él, en el centro de Moscú, se alquiló un edificio de teatro, en el que había locales para músicos y artistas, así como una escuela de teatro. Fedotov continuó trabajando con la compañía de teatro, presentando varias actuaciones del repertorio moderno y clásico. Pronto el director abandonó sus salas, pero su lugar fue ocupado por la ex esposa Glykeria Nikolaevna. Por supuesto, Konstantin Sergeevich jugó papeles principales en las actuaciones. El lanzamiento creativo de estos años, Stanislavsky posteriormente evaluó de manera muy crítica, llamándose a sí mismo un "copista sin sabor". Admitió que al depender de varios efectos externos, explotó sin pensar el temperamento joven y, si eso no ayudaba, "en las venas" sacó de sí la pasión necesaria en el curso de la acción.
A pesar del éxito de las actuaciones, dos años después, la "Sociedad" se encontró al borde de la bancarrota. Los actores se vieron obligados a mudarse a una habitación modesta, ubicada en la calle Povarskaya. Para sobrevivir, el teatro de aficionados aceptó la oferta del Club de Caza para organizar una (5) nueva presentación semanal en sus instalaciones. Como Glykeriya Fedotova no podía hacer frente sola a semejante carga, otros actores experimentados del Teatro Maly comenzaron a ser invitados a ayudarla. Sin embargo, lo más importante, en 1891, el propio Stanislavsky tomó la dirección. Su primera experiencia de este tipo fue la comedia de Tolstoi "Los frutos de la iluminación". La actuación fue un gran éxito, y esto llevó al gran reformador del teatro a continuar el trabajo iniciado.
La última década del siglo XIX fue un punto de inflexión en la vida de Stanislavsky. En 1893, su padre falleció y se convirtió en uno de los directores de la gran asociación Alekseevs and Co. Sin embargo, lo principal para él todavía era trabajar en el teatro. Al convertirse en director, Konstantin Sergeevich continuó su actividad de actuación, como resultado de lo cual tuvo la oportunidad de mirar la escena desde diferentes ángulos de visión. Constantemente experimentando, buscó lograr la naturalidad de su comportamiento en el escenario. No tuvo éxito en esto en todo momento, pero el público estaba más que satisfecho con el juego de Stanislavsky.
21 de junio de 1897 Konstantin Sergeyevich recibió un mensaje del famoso maestro de teatro y dramaturgo Vladimir Nemirovich-Danchenko. Contenía una propuesta para una reunión, que tuvo lugar al día siguiente en el famoso restaurante de ese momento "Bazar eslavo". Durante la conversación, Vladimir Ivanovich le contó al joven director su idea sobre la fundación de un teatro fundamentalmente nuevo, creado sobre principios artísticos, organizativos y estéticos completamente diferentes de lo habitual. Para lograr esto, Nemirovich-Danchenko presentó una propuesta para unir un equipo semiprofesional dirigido por Stanislavsky con graduados de su escuela de teatro que opera bajo la sociedad filarmónica de la capital, así como para fortalecer la compañía con una serie de actores experimentados de la provincia. Konstantin Sergeyevich apoyó su idea, y al final acordaron dividir los poderes de esta manera: Nemirovich-Danchenko se encargó de todos los problemas de organización y la formación del repertorio, y Stanislavsky, el liderazgo artístico. Decidieron escenificar actuaciones juntos, el primero trabajó con los actores en sus papeles, el segundo, determinó el "dibujo" general de la producción. En caso de discrepancias, todos podrían vetar decisiones relacionadas con su "diócesis". Esta histórico Para el teatro ruso, la conversación duró un total de 18 horas y terminó en la finca Stanislavsky a las 8 am del día siguiente.
Para el otoño de 1898, se había realizado una enorme cantidad de trabajo: se encontraron fuentes de financiamiento, se removió y preparó un edificio de teatro, se reunió un equipo de actores y se creó un repertorio del nuevo Teatro de Arte Público. En Karetny Lane, en las instalaciones del Teatro Hermitage a mediados de octubre, 1898 organizó el primer estreno: fue la tragedia de Alexei Tolstoy "Zar Fedor Ivanovich" con Ivan Moskvin en el papel principal. Los espectadores consideraron que la actuación fue una recepción entusiasta: actores, vestidos con trajes antiguos, dirección inusual, un juego de actuación simple y al mismo tiempo convincente que sorprende. Otra prueba del Teatro de Arte fue la producción de la obra de Chéjov, "La gaviota", que para entonces ya había caído en el escenario del Teatro de Alejandría. La obra inicialmente le pareció a Stanislavsky inestimable y aburrida, pero a petición de Nemirovich-Danchenko, asumió el desarrollo del plan de producción de un director y de repente se interesó en el extraño trabajo de Chekhov. Iluminados por el trabajo y los actores que nunca antes han tenido que lidiar con obras de este tipo. En los ensayos, el propio Anton Pavlovich visitó a quien le gustaba la atmósfera creativa que reinaba en el nuevo teatro. En diciembre, 1898 celebró su estreno, y la presión de los actores fue grande. Después del final del primer acto en la sala, hubo una larga pausa, durante la cual una de las actrices se desmayó, pero un aplauso ensordecedor sonó después de eso. Más acciones de la producción que el público conoció aún más acaloradamente. Este éxito determinó la naturaleza del desarrollo creativo del nuevo teatro, y la imagen de la gaviota sigue siendo su emblema.
A finales de siglo, las obras de Chéjov eran el diapasón del Art Theatre, que en 1901 perdió la palabra "público" en su nombre. Después de "The Seagull", "Uncle Vanya" apareció en el escenario en 1899, en "Three Sisters" en 1901, y "The Cherry Orchard" en 1904. Stanislavsky organizó todas estas obras junto con Nemirovich-Danchenko. Además, él mismo jugó papeles principales: Gaev en The Cherry Orchard, Astrov en Uncle Van, Trigorin en The Seagull, Vershinin en The Three Sisters. Fueron estos trabajos los que ayudaron a Konstantin Sergeevich a formular lo que más tarde se llamó el "sistema Stanislavsky". El nombre, por cierto, es en gran parte condicional, ya que el conjunto de medios que se ocultan bajo esta definición para desarrollar las habilidades creativas de los actores incluye no solo la experiencia personal de Konstantin Sergeyevich, sino también la experiencia de otros directores y artistas del Teatro de Arte - Nemirovich-Danchenko, Meyerhold, Kachalov, Sulerzhitskogo, Moskvin. Stanislavsky no hizo mucho solo, pero resumió lo que vio, lo que ciertamente no resta valor a sus méritos. Uno de los principios básicos del "sistema" se expresa en la conocida fórmula: "Ama el arte en ti mismo y no en el arte". En otras palabras, un actor en el escenario está obligado a no "ponerse una manta sobre sí mismo", a no esforzarse por presentarse con mayor eficacia en detrimento de sus compañeros en el escenario. En el Teatro de Arte hubo una lucha sin piedad con la "estrella": Nemirovich-Danchenko y Stanislavsky se negaron a beneficiarse, y luego prohibieron a los actores que siguieran el curso de la acción a los desafíos de la audiencia. El criterio principal para organizar las actuaciones fue su integridad, por lo que incluso los principales artistas se retiraron a un segundo plano. Y para encontrar formas de permitir que el actor entienda las intenciones del autor y en el momento de la acción en el escenario se convierta en un personaje de la obra, viva sus pensamientos y sentimientos, Stanislavsky desarrolló una serie de ejercicios especiales.
Cuatro temporadas El Teatro de Arte de Moscú trabajó en locales mal adaptados del Hermitage hasta que la famosa filántropa Savva Morozov compró todas sus acciones a los accionistas del teatro y erigió un moderno edificio de teatro en Kamergersky Lane. Los primeros actores que actuaron en la nueva ubicación a fines de octubre de 1902 fueron los "Comerciantes" de Gorky. El estreno fue un gran éxito, convirtiéndose en el preludio de otro evento importante para el teatro. La dirección del teatro decidió poner "En la parte inferior", la siguiente obra de un escritor joven, pero ya ampliamente conocido. En ese momento para el país, el tiempo mostrado por los "artistas" en diciembre 1902 vio la actuación sobre los ocupantes del muelle, el público democrático percibido como revolucionario, y la frase "El hombre - suena con orgullo", dijo el héroe de Stanislavsky en toda Rusia. A pesar de que los líderes del Arts Theatre hicieron todo lo posible por disociarse de la política, en aquellos años el Moscow Art Theatre fue percibido como un portavoz de las ideas democráticas. En este sentido, en 1904, Nemirovich-Danchenko, debido a la excesiva politización, se negó a dar a la obra de Gorky "Residentes de verano", como resultado de lo cual el teatro perdió el apoyo de Savva Morozov. Sin embargo, el teatro de arte de Moscú logró sobrevivir. Las primeras giras en el extranjero ayudaron a esto en parte: la compañía fue a Austria-Hungría y Alemania en 1906, lo que les dio un total de sesenta y dos presentaciones.
En esos años, Gorky dijo: "El teatro de arte es tan importante como el de San Basilio y la Galería Tretyakov. "Es imposible no amarlo, no es un crimen trabajar para él". La influencia del Teatro de Arte de Moscú en la cultura teatral mundial es verdaderamente global, y el punto aquí no está en absoluto en el "sistema Stanislavsky". Fue aquí donde, por primera vez, abandonaron la mayoría de los atributos externos del siglo XIX, eliminando, en particular, el foso de la orquesta. Durante los intermedios, la orquesta dejó de tocar melodías "glamorosas" y de bravura, eliminando el ambiente general creado por los actores en el transcurso de la actuación. Por lo mismo durante las actuaciones comenzó a apagar la luz. Stanislavsky prohibió que los que llegaban tarde al auditorio, deshacerse de los snobs que consideraban que era un chic especial llegar tarde y luego en todo el salón vadearse a sus asientos. Además, se presentó el puesto permanente de artista teatral, que no solo "pintó" los fondos, sino que junto con los directores que formaron la imagen de la obra. La producción de vestuario y escenografía, especialmente para cada actuación, también fue una innovación (los directores variaron el vestuario y el inventario que estaba disponible en el teatro, o los actores vestidos que sabían lo que estaba pasando).
A fines de la primera década del siglo pasado, a primera vista, en el Teatro de Arte de Moscú, las cosas fueron bastante bien desde el punto de vista creativo: el público fue al teatro y sus actores disfrutaron de una inmensa popularidad. Sin embargo, Stanislavsky era muy consciente de la crisis inminente. Encontró que los actores del teatro, liderados por él, y él mismo habían desarrollado nuevos sellos, que ya eran de su propiedad. Cada vez más a menudo, los "artistas" preferían no vivir en roles, sino reproducir de forma mecánica los escenarios de escenario. En este sentido, Konstantin Sergeevich en 1911 comenzó una nueva búsqueda, lo que causó la alienación de la compañía. Sin embargo, el director se mostró inflexible, y solo la intervención de Nemirovich-Danchenko, quien apoyó al compañero, salvó al Teatro de Arte de una división. En mayo, 1905 Stanislavsky proporcionó una sala separada para el ex actor Vsevolod Meyerhold y ayudó a armar un estudio de teatro, creyendo que el joven director descubriría nuevas formas de trabajar con actores novatos para revelar sus habilidades. En el otoño, Konstantin Sergeevich miró los resultados del trabajo del estudio y se sintió decepcionado. Al ver el hábil trabajo de dirección, no encontró ningún progreso con los actores. Esta circunstancia lo obligó a cerrar el estudio, pero él no rechazó la idea en sí. A finales de la primera década del siglo XX, formuló los puntos clave de su método de capacitación de actores, aunque era consciente de que los actores ya establecidos del Teatro de Arte de Moscú no podrían aceptarlo por completo. La juventud es mucho más susceptible a lo nuevo, por lo que Stanislavsky en 1912 se decidió por un acto no estándar: reunió un nuevo estudio con actores jóvenes y extras del teatro, poniendo a Leopold Sulerzhitsky, que no tenía experiencia en la actuación. Por cierto, esta persona distintiva y excepcionalmente talentosa, que había acumulado una tremenda experiencia de vida por sus treinta y cinco años, entendió perfectamente la esencia del "sistema Stanislavsky" y al mismo tiempo estaba libre de cualquier sello. Las actuaciones protagonizadas por él recibieron una amplia respuesta. Y en 1914 y 1916, dos estudios más aparecieron bajo la dirección de Evgeny Vakhtangov y Vakhtang Mchedelov. Konstantin Sergeevich les dio plena libertad creativa y, siguiendo sus actividades, pulió sus propios puntos de vista teóricos.
El decimoséptimo año trajo muchas cosas nuevas a la vida del Teatro de Arte. La revolución condujo a los pasillos de la audiencia, no versados en el arte teatral. Fue muy difícil prever su reacción a lo que estaba sucediendo en el escenario: la audiencia lloraba y se reía a menudo, no en absoluto donde se esperaba. Debido a la incertidumbre general, los "artistas" se mantuvieron gracias al repertorio clásico; el único estreno de 1917 fue la representación de la obra de Dostoievski "El pueblo de Stepanchikovo". Siguiendo el ejemplo del director del teatro, muchos artistas abrieron sus propios estudios de actuación, pero solo lo hicieron para ganar dinero. Además, en la segunda década del siglo XX el cine comenzó a desarrollarse activamente. Pagaron bastante bien al cine, y muchos actores del Teatro de Arte de Moscú aceptaron actuar en el cine. Konstantin Sergeevich se quejó de un trabajo de piratería que estaba devorando la vida creativa del teatro, pero no pudo evitarlo. Afortunadamente, el gobierno soviético (principalmente en la persona de Anatoly Lunacharsky, el ex Comisario Popular de Educación), consideró necesario preservar algunos teatros "burgueses". Lenin, en la creación de Nemirovich-Danchenko y Stanislavsky, habló de manera muy comprensiva: "Si hay un teatro que debemos guardar y preservar, esto es ciertamente artístico". En relación con esto, en 1918, con la introducción del "comunismo de guerra", los actores recibieron una ración, pero al mismo tiempo el teatro canceló la admisión; de ahora en adelante, todas las entradas se distribuyeron a las fábricas e instituciones soviéticas. La composición de la audiencia ha cambiado una vez más, a menudo las personas que venían al teatro no sabían cómo comportarse en el auditorio. Ocurrió durante el intermedio, Stanislavsky subió al escenario y explicó estrictamente a la audiencia que era imposible comer, hacer clic y fumar nueces. Pero en la escena en el escenario por primera vez atrapado en el teatro, el público reaccionó con un carácter puramente infantil.
En la parte hambrienta de 1919 de la compañía, liderada por actores principales, salió de gira en un Jarkov relativamente "lleno". En el verano del mismo año, el Ejército de Voluntarios de Denikin lanzó un ataque en Moscú, en el curso del cual los artistas invitados se encontraron en los blancos y primero se vieron obligados a aceptar sus "reglas del juego" y luego abandonar completamente Rusia. La división de la compañía, que Stanislavsky llamó una "catástrofe", duró tres años. Al principio, los líderes teatrales que permanecían en la capital creían sinceramente en la inminente reunificación del colectivo. Además, Konstantin Sergeevich, con la ayuda de los artistas restantes, intentó realizar una nueva producción. Sin embargo, el misterio de Byron "Caín", mostrado en abril 1920, fue recibido fríamente por la audiencia. Al final, los líderes del Teatro de Arte de Moscú tuvieron que recurrir a los Estudios Primero y Segundo, que en ese momento ya eran equipos establecidos. Los estudiantes fueron a reunirse y el resultado de su colaboración fue la obra "Inspector", organizada por Stanislavsky en octubre 1921. La comedia de Gogol fue un éxito fenomenal (en gran medida debido a la obra del joven Mikhail Chekhov). Así comenzó la época del teatro de arte renovado.
Después del final de la guerra civil en la Rusia soviética, hubo un nuevo giro ideológico, caracterizado por una transición a la NEP. Los bolcheviques estaban interesados en ampliar las relaciones comerciales con los estados occidentales y, por lo tanto, era importante para ellos cambiar la imagen actual de la Rusia soviética. Uno de los pocos "artículos de exportación" fue el Teatro de Arte, que era bien conocido en Europa. Por lo tanto, el nuevo gobierno no interfirió con los intentos de Konstantin Sergeyevich de devolver parte de la compañía de teatro de arte de Moscú que se encontró en la emigración. Como resultado, en mayo, 1922 regresó a casa el "más talentoso y necesario", incluyendo a Olga Knipper-Chekhova y Vasily Kachalova. Y pronto el Art Theatre se fue al extranjero en una larga gira.
El viaje al extranjero continuó desde el otoño 1922 hasta el otoño 1924. A pesar del hecho de que una parte separada del público (en particular, los emigrados rusos) vieron en Mkhatovtsy agentes bolcheviques, los actores fueron muy bien recibidos en Praga, Berlín, París, Zagreb. Una cierta sorpresa mezclada con el tono general, entusiasta de las declaraciones, ¿cómo podrían hacer eso? Un consejo interesante está en el periódico alemán 23 de septiembre 1922: “El ensayo tiene lugar hora tras hora sin descanso ni descanso. En su trabajo, estas personas están poseídas, no sienten ni sed, ni hambre, ni fatiga ". Por cierto, a Konstantin Sergeevich le gustaba repetir: "Lo primero que debe hacer un actor cuando ingresa a la sala de ensayo es dejar de ser una persona asociada con la vida cotidiana" y "Sólo hay una razón para que el actor no asista a la obra: la muerte".
A principios de enero, el grupo 1923 llegó a Nueva York, y cinco días después, mostró a los estadounidenses el "Zar Fiodor Ivanovich", que tuvo un éxito tremendo. Después de tres meses de presentaciones en la ciudad, en salas llenas de gente, el Teatro de Arte de Moscú realizó una gira por los Estados Unidos. Después de visitar Chicago, Boston y Filadelfia, los artistas rusos regresaron a Nueva York, después de lo cual partieron a Alemania para descansar a principios de junio. El mismo Stanislavsky dedicó este tiempo a escribir el libro Mi vida en el arte. Habiendo recuperado su fuerza, los Mkhatov regresaron a los Estados Unidos y, con no menos éxito, realizaron una segunda gira por las ciudades del país. Luego siguieron las actuaciones en la capital de Francia. En resumen, el Teatro de Arte dio una presentación en el extranjero con las mismas presentaciones de 561 a tiempo completo.
En el otoño de 1924, los "artistas" regresaron a su tierra natal. La gira exitosa reunió al equipo, además de que los artistas mejoraron significativamente su situación financiera, ya que las autoridades les dejaron una parte significativa de la moneda ganada. Sin embargo, el teatro necesitaba una revisión importante. Al convertirse en una parte bastante importante de la elite cultural soviética, los trabajadores del Teatro de Arte de Moscú se vieron obligados a cumplir los requisitos de la era, por ejemplo, hacer declaraciones oficiales de vez en cuando. Esto fue especialmente cierto para los líderes, y Konstantin Sergeyevich, una persona absolutamente apolítica, fue bastante difícil de adaptar. Además, el Teatro de Arte tuvo que incluir en su repertorio una serie de obras soviéticas. Hubo muy pocas creaciones de calidad de este tipo, y la mayoría de los teatros "antiguos" en una posición similar llevaron a una feroz lucha por ellos. Como resultado, el repertorio clásico del Teatro de Arte de Moscú se diluyó con las obras de Konstantin Trenev "Pugachevschina" (1925), Mikhail Bulgakov "Días de los Turbin" (1926) y Vsevolod Ivanov "Tren blindado 14-69" (1927). 1928 resultó ser un shock a este respecto, cuando en el escenario del teatro se presentaron tres obras modernas completas: Untilovsk de Leonov, Quadrature of the Circle y Rashers of Kataev. Un lugar especial entre las nuevas producciones fue tomado por la obra "Días de los Turbins", que por alguna razón fue muy querida por Joseph Stalin, quien visitó espectáculos en varias ocasiones.
Mientras tanto, ha llegado una nueva era, marcada por la transición a una gestión centralizada de la vida cultural del país. Esta fue una consecuencia bastante desagradable para el Teatro de Arte de Moscú: fue él quien Joseph Vissarionovich decidió hacer el "buque insignia" del teatro soviético. Por lo tanto, todas las actividades de los "artistas" cayeron bajo control ideológico, y todos ellos, tanto gerentes como actores, tuvieron que responder oficialmente a la decisión de cada partido. En este momento, el estado de salud de Stanislavsky se deterioró considerablemente. A fines de octubre, Konstantin Sergeyevich, quien interpretó el papel de Vershinin, sufrió un ataque al corazón durante la presentación de las Tres hermanas de Chéjov, dedicada al trigésimo aniversario del Teatro de Arte de Moscú. Después del incidente, dejó de aparecer en el teatro, aunque no abandonó ni al director ni a la gerencia artística. A partir de ahora, los ensayos se llevaron a cabo en su casa: los actores y el director, la actuación principal, llegaron a Stanislavsky y analizaron el texto de la obra, determinaron la configuración del escenario principal y las interpretaciones de las imágenes. Luego se preparó la actuación sin Konstantin Sergeevich, quien apareció en el ensayo general o en las últimas carreras e hizo sus propios ajustes en la actuación.
En los años treinta, la identidad corporativa del Teatro de Arte de Moscú comenzó a moldearse en formas verdaderamente de acero, con su monumentalidad y quietud que se asemejan en muchos aspectos a los sellos del antiguo teatro. En otras palabras, la situación en el teatro era similar a aquella con la que Stanislavsky había luchado toda su vida, con la principal diferencia de que ya no había forma de prevenirla. Konstantin Sergeevich entendió todo perfectamente, pero tuvo que seguir las reglas del juego establecidas por las autoridades. Al final de su vida trató de mantenerse alejado de su creación, dedicando cada vez más tiempo al Teatro de la Ópera en su nombre, fundado en 1926. Además, en 1935, el patriarca del escenario organizó el Estudio de Teatro y Ópera y dirigió clases para actores dramáticos y cantantes. Además, el director continuó diariamente (desde 23 horas de la noche hasta 3 horas de la noche) para trabajar en trabajos teóricos. El libro "Mi vida en el arte", escrito por él durante la gira, se reeditó con X-NUMX con adiciones y cambios. Ella, según Konstantin Sergeevich, fue la primera parte del enorme trabajo dedicado a su "sistema". La segunda parte, llamada "El trabajo del actor sobre sí mismo en el proceso creativo de la experiencia", Stanislavsky completó antes de su muerte, y las últimas partes: "El trabajo del actor sobre el papel" y "El trabajo del actor sobre sí mismo en el proceso creativo de la encarnación": el director recopiló solo los materiales de preparación.
En 1936, Stanislavsky fue el primero en recibir el título de "Artista del Pueblo de la URSS". Al comienzo de 1938, cumplió setenta y cinco años, y este aniversario se celebró en el país como una fiesta nacional. El novato actor y futuro escritor Viktor Nekrasov, reunido con un gran director a principios de junio, 1938, dejó la última descripción de la vida de la aparición de Konstantin Sergeyevich: "Hombre delgado, alto, ancho, de hombros anchos, con manos terriblemente expresivas, cara grande y ojos irónicos y sonrientes". Y 7 August 1938, una figura teatral sobresaliente, murió repentinamente. En su honor en el periódico "Pravda" se publicó un artículo penetrante, donde el nombre de Stanislavsky se puso en línea con Mendeleev, Lomonosov, Repin y Surikov.
"El sistema Stanislavsky" en el siglo XX recibió reconocimiento mundial, convirtiéndose en la manera más efectiva de trabajar con actores. Dos condiciones contribuyeron a su expansión en el mundo: la gira triunfal del teatro en América y Europa, así como la guerra civil, debido a la cual algunos de los directores y actores del Teatro de Arte abandonaron Rusia. El papel clave en esto lo desempeñaron Richard Boleslavsky y Maria Ouspensky, quienes se convirtieron en los principales "distribuidores" del "sistema Stanislavsky" en Estados Unidos. Su alumno fue el famoso director estadounidense Lee Strasberg. Muchos actores famosos de Hollywood, incluidos Paul Newman, Marilyn Monroe, Al Pacino, Dustin Hoffman, Robert de Niro, Marlon Brando y Mickey Rourke, pasaron por su Estudio de Actores, que trabajó sobre la base del "sistema Stanislavsky".
De acuerdo con los materiales de los sitios http://www.stanislavskiy.info/ y http://www.abc-people.com
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